Le texte théâtral et sa représentation (Objet d'étude 1ere)
Le texte théâtral et sa représentation
I) Le texte théâtral et sa représentation
1- Les répliques des personnages
Elles sont représentées sous forme de dialogues.
La tirade : longue réplique qu’un personnage prononce sans être interrompue.
La stichomythie : dialogue dans lequel les personnages se répondent vers à vers.
L’aparté : brève réplique dite à l’écart des autres personnages et que seul le spectateur est censé entendre.
Le monologue : tirade où un personnage s’adresse à lui-même ou à un personnage absent.
2- Les indications complémentaires
Les didascalies : indications scéniques
Les didascalies internes figurent dans les répliques des personnages.
Les autres informations : la liste générale des personnages, la mention des actes et des scènes, la liste des personnages présents sur scène et avant chaque réplique le nom du personnage qui intervient.
3- Qu’est-ce que « représenter » une pièce ?
Rendre visible pour les yeux, le théâtre doit être incarné par des interprètes réels.
Figurer, représenter implique la notion d’illusion.
Présenter à nouveau, chaque mise en scène renouvelle donc le texte.
Donner une certaine vision du monde, le texte théâtral donne une image du monde et des hommes propre à l’auteur.
4- Une œuvre collective : les créateurs et les intervenants
L’auteur écrit le texte de la pièce.
La troupe (metteur en scène, acteurs, techniciens, scénographe, régisseur)
Le public sans qui la pièce n’existe pas vraiment.
5- Une œuvre en contant renouvellement
L’œuvre théâtrale est toujours figée (car le texte ne change pas) et pourtant jamais terminée (nouvelles interprétations et représentations)
II) Le théâtre antique : naissance de la tragédie et de la comédie
1- Origines religieuses du théâtre grec : le culte de Dionysos
La tragédie tire son origine de célébration religieuse en l’honneur de Dionysos.
La comédie est issue des réjouissances populaires.
2- Conditions matérielles et composantes d’une pièce
Le lieu théâtral : le spectacle avait lieu en plein air, la scène était un espace circulaire
Les acteurs et le chœur, il n’y avait au début qu’un seul acteur. Les acteurs échangent avec le coryphée. Le chœur est composé d’une douzaine de personnages, il intervient à des moments forts pour encourager le protagoniste, le conseiller, commenter la situation.
A l’origine les parties parlées alternaient avec les parties chantées par le chœur.
3- Auteurs tragiques, auteurs comiques grecs
Les trois plus grands dramaturges sont Eschyle, Sophocle et Euripide.
Le théoricien de la tragédie, Aristote, en a énoncé les principes : imiter le monde réel et susciter « terreur et pitié » des spectateurs.
Grâce à la catharsis, le spectateur se libère de ses angoisses et de ses sentiments inavouables en les vivant à travers les personnages.
La comédie ancienne met en scène des personnages contemporains qu’elle attaque en les ridiculisant alors que la comédie nouvelle s’attaque aux travers et aux vices des hommes.
4- Les dramaturges latins, héritiers des Grecs
Les trois noms à retenir sont : Sénèque, Plaute et Terence. Le premier pour ses adaptations de tragédies grecques, les suivant pour leurs comédies. Plaute a beaucoup inspiré Molière.
III) Le théâtre aux XVIIe et XVIIIe siècle
1- Le théâtre du Moyen-Age au début du XVIIe siècle
Avec les mystères, le théâtre du Moyen Age garde sa dimension religieuse. Les farces, quant à elle, sont un théâtre comique populaire. Le théâtre baroque représente la violence et la démesure qui règnent après les guerres de Religion
2- L’équilibre classique
Le retour à l’ordre et à la raison (1630-1660) : Les dramaturges recherchent le naturel et l’harmonie et une plus grande unité de ton. Ils ont pour but d’instruire et plaire. La tragédie et la comédie trouvent la faveur d’un public qui apprécie les divertissements sociaux.
Les règles de la tragédie classique font apparaitre une conception pessimiste de l’homme. Les dramaturges s’imposent des règles contraignantes pour créer l’illusion théâtrale (imiter les écrivains antiques, écrire en alexandrins, composer cinq actes, utiliser des héros aristocratiques, respecter la règles des trois unités, la bienséance et la vraisemblance)
Molière se sert des formes antiques de la comédie. Il en pratique toutes les formes (farces, comédie d’intrigue, de caractère, comédie-ballet,…). Il donne parfois une dimension satirique engagée contre des vices de la société.
3- Le théâtre au siècle des Lumières
La tragédie ne convient plus au siècle des Lumières, elle devient une tribune alors que la comédie s’épanouit. Le théâtre de Marivaux est un théâtre du cœur mais aussi plus engagé. Ce théâtre est très souvent censuré pour ses critiques contre le pouvoir.
Diderot invente le drame bourgeois : comédie sérieuse qui met en scène des situations pathétiques et exalte les bons sentiments. Le drame romantique du XIXe siècle s’en souviendra.
IV) Le théâtre du XIXe siècle à nos jours
1- Le XIXe siècle : du drame romantique au vaudeville
Les conventions du théâtre classique ne sont plus adaptées pour les romantiques (Hugo). Ils se servent de Shakespeare comme modèle. Leur but est de mélanger les registres, le sublime et le grotesque. Le drame romantique disparait rapidement au profit du roman et de la poésie.
Des dramaturges reprennent les recettes de la comédie dans le vaudeville : action endiablée, esprit satirique. La farce réapparait sous une forme provocatrice surtout fondé sur l’humour noir.
2- Diversité du théâtre au XXe siècle
Les auteurs reprennent les grands thèmes traités par la tragédie depuis l’Antiquité en se réappropriant les mythes et les personnages pour parler des préoccupations contemporaines. (Giraudoux, Anouilh)
Les philosophes se servent du théâtre pour mettre à la portée du public les grands problèmes de leur temps.
Les dramaturges expriment l’absurdité tragique de l’existence humaine, privée de repères religieux ou des valeurs humanistes. C’est le comique de l’absurde. Les personnages évoluent souvent dans un univers déshumanisé.
Le théâtre revient aux ressorts élémentaires du théâtre avec des personnages plus individualisés et les dialogues sont plus considérables. L’action repose sur des conflits.
V) Les conventions théâtrales
1- Les conventions de l’illusion
Le statut du spectateur : se déplacer, garder le silence, ne pas intervenir, croire à ce qu’il voit. Avec les applaudissements, le spectateur reprend son identité et juge alors l’acteur.
Il y a deux lieux au théâtre : un lieu réel et un fictif. Le spectateur admet l’absence du 4e mur. Ces conventions sont brisées quand l’acteur vient jouer dans la salle. Certaines pièces représentent du théâtre dans le théâtre (lieu est alors triple). Le lieu caché des coulisses est double (lieu des acteurs, lieu de la fiction)
Le temps est lui aussi double : le temps du spectacle et celui de la fiction.
2- Les conventions de l’énonciation
Le discours théâtral est marqué par la double énonciation (les personnages parlent ensemble, et à l’intention du public). L’auteur, le metteur en scène et les acteurs adressent un message indirect au public.
Une convention veut que le personnage ignore la présence du public dans la scène. Le monologue et l’aparté rompent avec cette convention. Ils permettent de créer une connivence avec le public et le personnage. Le spectateur entre alors dans la pièce.
VI) Analyser la structure d’une pièce
1- Les divisions traditionnelles d’une pièce
Traditionnellement, elle est formée d’un à cinq actes. En général l’acte culminant est au troisième acte. Les actes sont eux-mêmes divisés en scènes.
A l’origine, les entractes étaient utilisés pour l’entretien des chandelles et le changement de décor.
2- La structure générale d’une pièce
L’action est la suite des événements et des faits qui se succèdent dans une pièce.
Le sujet est en quête d’un objet, il est secondé par des adjuvants et des affronte des opposants.
Le nœud dramatique résulte d’un conflit de forces.
L’intrigue est la succession des incidents qui précipitent, compliquent ou retardent l’action.
L’exposition (la première scène) fournit les éléments nécessaires à la compréhension de la situation et les grandes lignes du conflit. Le dénouement apporte la résolution du nœud de l’action.
Le coup de théâtre est une péripétie qui bouleverse de façon inattendue la situation ou le dénouement. Le quiproquo est un malentendu, une méprise qui fait du dialogue théâtral une sorte de dialogue de sourd.
3- La recomposition du temps et le rythme d’une pièce
Il faut limiter l’action de la pièce à un moment de crise et faire coïncider les deux temps du théâtre, il recompose le temps avec des ellipses, il tire parti des entractes.
Il rythme la pièce grâce à la longueur des scènes, à l’enchainement des répliques et des silences.
VII) Etudier un extrait de théâtre
1- L’intérêt dramatique de la scène dans la pièce.
La scène d’exposition : informations sur le passé ? Identité des personnages ? Relations entre les personnages ? Part d’inconnu ? Attentes du spectateur ?
Le dénouement : Solution à/aux action(s) ? Dénouement attendu, surprenant, fermé ? Perspectives ?
La scène d’action : Tournant dans l’action ? Scène d’épreuve, d’aveu ? Scène de conflit, de débat ? Quel enjeu ? Coup de théâtre ? Quiproquo ? Rythme de la pièce ?
La pause dans l’action : Quelle forme ? Monologue ? Délibération intérieure ? Attente de cette pause ?
2- Les personnages
Le statut du personnage : personnage principal, secondaire ? Figurants ?
La peinture du personnage : Physique ? Statut familial, social ? Emotions ? Sentiments ? Caractère ?
Le statut littéraire des personnages : Types ? Traditionnels ? Originaux, inédits ? En rupture avec leur époque ?
3- L’effet sur le spectateur
Le registre : Quel type de comédie (visuel, situation, mots, répétition, absurde) ? Quel type de tragédie (type de fatalité : divine, humaine, sociale, politique, intérieure ; « terreur et pitié » ; violence) ? Quel type de drame (différents registres, comment sont-ils mélangés ?) ?
La théâtralité : L’implication du public, les éléments pour jouer le texte (spectaculaire, efficacité), difficultés d’interprétation.
4- Le sens de la scène : l’intention de l’auteur.
La présence et l’implication de l’auteur : Oui/Non ? Comment ?
Le message de la scène : Enjeux ? Intentions de l’auteur ? Message (explicite, implicite) ?
VIII) Etudier une représentation théâtrale
1- Les éléments matériels
Le lieu et l’espace scéniques : L’environnement, la scène voire les coulisses.
Décors, costumes et accessoires : Décor réaliste, minimaliste, symbolique ? Rôle du costume ? Accessoires réalistes ou de distance ?
Sons et lumières : La bande-son crée l’atmosphère et souligne les moments de l’action, L’éclairage peut avoir une valeur symbolique, Les effets spéciaux.
La théâtralité de la pièce : elle désigne la mise en scène et lui donne son efficacité sur le spectateur. Ces éléments sont fournis par les didascalies.
2- Les intervenants
Le metteur en scène apparait dès le XVIIIe siècle sous le nom de régisseur. Au XIX e siècle, le metteur en scène apparait au sens moderne du mot. Il interprète selon sa sensibilité le texte qui n’est qu’un élément du spectacle. Il est l’auteur du spectacle. Il dirige et coordonne les acteurs.
Les acteurs incarnent les personnages qu’ils interprètent. Leur jeu se construit à partir des déplacements, gestes, regards, voix…
Le scénographe et les techniciens. Le scénographe organise techniquement l’espace scénique et définit les rapports entre scène et salle. Les techniciens participent à a scénographie.
éditions Hatier année 2011